Benvenuti a Castleville

tempo fermo

2011-03-09T18:33:00.002+01:00

Ho voglia di essere un pezzo di qualcosa,
non qualcosa a pezzi.

BARI E IL BIFEST: LA CITTÀ E IL FESTIVAL CHE NESSUNO VEDE

2011-01-28T16:26:00.002+01:00

Ettore Scola, Giuseppe Tornatore, Carlo Verdone, Claudia Cardinale, Luca “Checco Zalone” Medici, Gennaro Nunziante, Ricky Tognazzi, Valeria Golino, Pasquale Squitieri, Paolo e Vittorio Taviani, Fabrizio Bentivoglio, Rocco Papaleo, Fabrizio Gifuni, Marco Bellocchio, Ascanio Celestini.
Non sto elencando a casaccio i nomi di alcuni dei protagonisti del cinema italiano, non ho neppure intenzione di stilare la classifica (im)parziale delle mie preferenze sulla Settima arte in Italia, voglio semplicemente ricordare i personaggi che, a vario titolo, hanno partecipato alla seconda edizione del Bifest, il festival internazionale del cinema e della televisione.
Il Bifest si svolge a Bari, inanellando incontri tematici, lezioni d’autore, dibattiti, anteprime, insomma, tutto il necessaire che solitamente ti aspetti da un festival cinematografico, uno di quelli veri, uno di quelli importanti. I teatri e i cinema sono sempre pieni, la gente diserta gli uffici pur di presenziare agli incontri, gli addetti ai lavori fanno la spola tra il teatro Petruzzelli, il teatro Kursaal, il cinema Galleria, l’hotel Oriente e il Cineporto di Bari, solo per citare i punti nevralgici del Bifest di quest’anno. Tutti parlano di cinema, tutti vivono di cinema.
Però c’è un fatto, un dettaglio insignificante che deve avere a che fare con la collocazione geografica del Bifest. Il fatto è che il Bifest si svolge a Bari, e Bari fa notizia solo quando si sporca di sangue. Se non si considera questo fatto, questo dettaglio, non si riesce a capire il silenzio rumoroso che sta accompagnando anche questa edizione del festival voluto dal buon Felice Laudadio e da pochi altri sognatori, di quelli che, per citare il governatore Vendola, credono ancora che la cultura possa essere un buon piatto per sfamare l’intelligenza e non una torta. Da tagliare. Del Bifest non parla nessuno.
Eppure i nomi che ho elencato non sono propriamente secondari nel panorama cinematografico italiano, sono nomi autorevoli, nomi grossi, di quelli che normalmente farebbero notizia. Ma l’Italia, si sa, non è normale, l’Italia si interessa d’altro, dalle allegre comare di un premier mandrillo alle speculazioni morbose sull’ennesimo fatto di cronaca nera. L’Italia è miope, e di certo Bari non la vede proprio.
A questo punto, agli organizzatori del Bifest, che sono già al lavoro per allestire la prossima edizione, non posso che consigliare di coinvolgere qualcuno dei bestemmiatori del Grande Fratello o una procace frequentatrice di party presidenziali, chissà che qualcuno si accorga di quello (di buono) che succede in questa terra. Chissà che qualcuno non si renda conto che il cinema ha cambiato indirizzo, e che ora lo si può incontrare spesso da queste parti. Chissà...

LIVE ACTION TERZO ATTO: I CARTONI ANIMATI VANNO A HOLLYWOOD

2010-11-29T13:48:00.008+01:00

Per dovere di cronaca, e per dare un quadro complessivo dei film tratti dai fumetti, diamo spazio anche agli americani, che con i loro eroi in calza maglia sono i veri dominatori del mercato dei film tratti da fumetti, manga, cartoni, anime, geroglifici e tutto quello che prevede una rappresentazione simbolica delle storie. Qui la lista è davvero lunga:

Spiderman continua a tessere la sua tela, anche se con Andrew Garfield a prendere il posto di Tobey Maguire nei panni, pardon, nella calzamaglia del ragnetto. Nuovo film per lui e nuovo regista, con un Marc Webb già pronto dietro la macchina da presa.

Prevedibile il ritorno dei mutanti dello Xavier Institute, con un nuovo film firmato da Bryan Singer (X-Men First Class), e il nuovo spin-off di Wolverine, con l’ormai collaudato Hugh Jackman nei panni di mister artigli di adamantio.

Il regista americano Edgar Wright sarebbe a lavoro su una divertente trasposizione di Ant-Man, supereroe in miniatura e fondatore dei Vendicatori che arriverà nelle sale nel 2012. Proprio su quest’ultimo “supergruppo” si registrano le novità più elettrizzanti, a partire dal fondamentale “The Avengers” di Joss Whedon, anche questo atteso per il 2012 (‘sta data comincia a puzzare). Cast stratosferico (Samuel L Jakson, Scarlett Johannson, Mark Ruffalo, Chris Evans, Chris Hemsworth, Robert Downey Jr.) nel quale si ritaglia un piccolo spazio, sebbene solo come doppiatore, il possente (una volta) Lou Ferrigno che per primo si tinse di verde per interpretare il gigantesco Hulk. Erano gli anni settanta, e con un po’ di vernice e un paio di lenti colorate si facevano grandi cose.

Altri “Vendicatori” invaderanno gli schermi, al grido di “vendicatori uniti”. Tra i più attesi ricordiamo “Captain America, the first avenger” di Joe Johnston che dovrebbe uscire nelle sale americane “già” nel 2011 e che vede Chris Evans indossare i panni del vendicatore a stelle e strisce (dopo aver indossato, e per ben due volte, quelli più “scottanti” della torcia umana nei film dei Fantastici 4… e vabbè!).

Direttamente da Asgard, ancora per gli Avengers, atterra ad Hollywood il “divino” Thor, impersonato da Chris Hemsworth. Il film sarà diretto dall’amletico Kenneth Branagh, che promette di dare un tocco epico alla pellicola.

Ritorna Iron Man, perché come si dice non c’è due senza tre, e ritorna Robert Downey Jr. nei panni del miliardario Tony Stark. Per le nuove peripezie dell’omino di latta (no, non è superman) dovremo aspettare il 2013, visto che la Walt Disney Pictures ha appena acquisito dalla Paramount i diritti per la distribuzione di questo film e di quello sui Vendicatori (d’altronde c’era già stato l’apparentamento con i tipi della Marvel).

Passando alla DC Comics, al momento la notizia più polposa riguarda un Green Lantern (in euro: Lanterna Verde) già pronto alla partenza per il 2011.

Il discorso relativo alla compagine supereroistica si chiude con una serie di rumors circa le prossime uscite dei film su Iron Fist, Dr Strange e i Runaways, tutti prodotti dalla Disney. Speriamo che le calzamaglie tengano!

Capitolo a parte per l’ennesimo film sui Transformers (Transformers: The Dark of the Moon), che sarà regolarmente nelle sale per la regia ancora una volta di Michael Bay, mentre dovremo continuare ad aspettare per vedere in carne e acciaio anche Voltron e Revoltech, progettone che vede coinvolto anche Tobey Maguire come produttore. Accantonando i robottoni trasformabili, diamo notizia di un evocativo Grayskull, che narrerà le vicende di He-man e compagni, e di un epocale (se non altro per quello che evoca la canzoncina iniziale) The Smurf (per i meno anglofoni, i Puffi!), entrambi attesi per il 2011.

LIVE ACTION SECONDO ATTO: QUANDO I CARTONI ANIMATI DIVENTANO FILM

2010-10-28T13:41:00.015+02:00

Mentre restano ancora da confermare buona parte dei titoli presentati nel precedente post dedicato all’argomento, una nuova lista torna a solleticare gli interessi dei tanti appassionati di live-action. Altri titoli, altri cartoni animati… pardon, anime, destinati almeno negli intenti a diventare film con attori in carne e ossa.

E siccome ormai la parola d’ordine nel campo dei live action sembra essere “esagerare”, ecco che si fanno largo rumors su produzioni fantascientifiche, non tanto per i loro “peso specifico” quanto per le questioni legate a budget potenzialmente esagerati, pellicole che sembrano perlomeno azzardate anche alle orecchie dei più ottimisti.

Prima di partire con questo nuovo resoconto, però, concedetemi un po’ di spazio per omaggiare i “caduti”, quei titoli cioè che, dopo essere stati annunciati in pompa magna, sono periti in battaglia (leggi: produzione) o, nella migliore delle ipotesi, si sono semplicemente persi per strada. Cominciamo con una nota dolente alla memoria di Lupin III, il cui film riposa nel limbo dei “non girati”. Hellsing, da non confondersi con Van Hellsing, è deceduto “per il momento”, precisazione più che appropriata visto il personaggio, mentre continua l’eterna odissea di Evangelion, tra i primi progetti annunciati (strano che si pensasse di cominciare proprio con un prodotto così complesso!) e tra i primi a sprofondare negli abissi del nulladifatto. In questo caso, tuttavia, pare si stia muovendo qualcosa, almeno stando alle notizie riportate da AnimeNewsNetwork.

Resta nello spazio (dei sogni) il live-action di Capitan Harlock, del quale, perlomeno, vedremo presto una pirotecnica versione in CGI.
Ancora un istante di silenzio per commemorare i caduti (anche quelli che si spera possano rialzarsi) e partiamo con le anticipazioni sui nuovi titoli in programma.
Si inizia con il botto, con un Gaiking che sembra addirittura in fase di produzione per i tipi della New Deal Studios e la regia di Matthew Gratzner Reels.

Per chi non lo ricordasse, il Gaiking era il robottone dalle “corna lunghe” che veniva fuori da un’improbabile “drago spaziale” che se ne andava a zonzo nello spazio. Le informazioni in giro sono piuttosto positive (Jules Urbach alla regia), e c’è addirittura chi annuncia la realizzazione di modelli in scala 1:1 del robot, in pratica un pupazzo di latta alto 50 metri! Come sempre staremo a vedere, nel frattempo possiamo dare un’occhiata al teaser trailer… il prodotto definitivo, dicono i ben informati, sarà molto migliore. Speriamo!

James “Avatar” Cameron continua a lavorare su “Battle Angel Alita”, che stando ai tipi di IMDB arriverà nei cinema nel 2013, salvo pregressa fine del mondo.
arriverà nei cinema nel 2013, salvo pregressa fine del mondo.

Scalpitano già i Gatchaman, il cui “film” (ma qui parliamo di una produzione interamente digitale realizzata in CGI) sembrava destinato a restare sulla carta per il paventato fallimento della casa di produzione Imagi Studios. Le ultime notizie danno Ken l’aquila e compagni in prima fila tra le produzioni più vicine alla realizzazione. Vedere per credere…

Per Akira, il capolavoro cyber-new age di Katsuhiro Otomo, si sono scomodate le alte sfere della Warner Bros che, intravedendo l’affare (gadget a profusione!), hanno affidato un progetto ad alto budget al visionario regista Albert Hughes. Il film, anzi, i film, visto che si parla almeno di due pellicole, sarebbero già in fase di pre-produzione. Produce Leonardo Di Caprio… e speriamo che il film non faccia la fine del Titanic!

Se questo vi sembra troppo, che dire di Ghost in The Shell, per la cui trasposizione cinematografica si è mosso sua maestà Stephen Spielbergh con gentile signora Dreamworks al seguito?
E come sottacere le notizie su un live action di Naruto da affidare alle capaci (e capienti) mani della Warner Bros? Se poi aggiungiamo che nelle stesse mani giace il futuro prossimo di un titolo come “Bleach”, e che sempre dalle parti di Hollywood si gioca il destino del film di Cowboy Be Boop, allora possiamo davvero aspettarci una valanga di film ad alto contenuto “animato” per i prossimi mesi (o restare travolti dalla slavina della delusione qualora gli stessi film dovessero rimanere in stand-by).

Dulcis in fundo, così si dice no?, facciamo il punto sulle promesse esaudite, quei titoli, cioè, che erano stati anticipati e che sono effettivamente arrivati sugli schermi (grandi o piccoli che siano):
Dragonball ce l’ha fatta, anche se in pochi se ne sono accorti, e ce l’hanno fatta pure gli strampalati personaggi di Yattaman, arrivati al cinema grazie alla follia visionaria di Miike Takashi (anche se in Italia credo continueremo ad aspettarli invano!). Stessa sorte è toccata ad Astroboy (anche qui solo CGI) e a Speedracer, che poteva contare su un budget di tutto rispetto.
Poi ci sono i titoli di nicchia, anche se in fondo, diciamocelo, qui parliamo sempre e comunque di nicchie, nicchie nelle nicchie. Tra i titoli “minori” che sono stati realizzati va citato Blood the last vampire, una pellicola firmata Sony Pictures… mica pizza e fichi!

Per quelli, poi, che hanno un po’ di dimestichezza con il giapponese (o con i sottotitoli), ci sono le bislacche sorprese di Sampei, il pescatore dalle “grandi orecchie a sventola” che qui, però, deve essere passato da un buon chirurgo plastico vista l’assoluta normalità del suo apparato uditivo.

Ci sono anche un comico, ma per la realizzazione più che per i contenuti, Carletto principe dei mostri, un buon Rocky Joe, e un colossale Space Battleship Yamato (da noi meglio noto come Star Blazers), che potrebbe far tremare la vecchia e pure gloriosa padella volante del comandante Kirk.

patience&fortitude: due leoni a difesa dei libri

2009-12-14T14:20:00.005+01:00

Nasce con un ruggito la realtà più graffiante del panorama letterario “alternativo”, un’idea, il presupposto per un progetto ambizioso, che promette di dare voce a tanti amanti delle parole, troppo spesso illusi e disillusi dalle logiche di mercato che hanno contaminato anche ciò che sembrava immune. Due leoni, patience e fortitude, gli stessi che fanno la guardia ai libri della New York Public Library, due cuori impavidi che ora aprono la loro tana agli spiriti affini, e non per leccarsi insieme le ferite, e neppure per sbranare i portatori del male oscuro che affligge l’editoria italiana, la tana si apre per accogliere le differenze, per crescere insieme, per apprendere nuovi linguaggi e utilizzare i vecchi per scrivere storie nuove. Una tana per le idee, una tana per i libri.

Per i leoni ho pubblicato una nuova edizione della mia raccolta più "horror", Zanne di lupo ali di pipistrello, finalmente disponbilie in tutta italia grazie agli amici di patiencea&fortitude!
la tana è sempre aperta a QUESTO INDIRIZZO...

Bari cambia (in peggio) sotto gli occhi di tutti

2008-09-15T10:53:00.004+02:00

Che le cose in città stiano cambiando è fuori dubbio, come è fuori dubbio che il cambiamento in atto sia tutt’altro che positivo. L’involuzione di Bari è sotto gli occhi di tutti (di chi ha voglia di vedere perlomeno), e dico “sotto” perché è proprio lì che bisogna guardare per accorgersi del decadimento in atto, in basso. In questi giorni si è provveduto a setacciare la rete fognaria cittadina per tracciare la mappa del consumo di stupefacenti, iniziativa quantomeno discutibile e dall’utilità che onestamente sfugge ai più, e intanto ci si è dimenticati di rattoppare quelle stesse tubature, che oltre a qualche effluvio allucinogeno tracimano liquami un po’ ovunque.

Con l’ultimo acquazzone, il prato ai piedi di Santa Scolastica è stato concimato da un fertilizzante naturale gratuitamente fornito dal Comune di Bari, grazie all’ausilio della stessa rete fognaria che rende unica l’acqua della bella spiaggia di “Pane e Pomodoro”.
Fogne saltate a Bari vecchia, olezzi nauseabondi che ormai coprono l’odore del ragù della domenica, per il piacere olfattivo dei tanti turisti che pure sciamano per i vicoli quando in città sbarca la “Costa” o la “MSC”. E poi scarafaggi e blatte che cedono il passo ai più pittoreschi scorpioni, manco fossimo in Messico; il borgo antico non se la passa bene, ma il resto della città non sta mica meglio.
Ronde di vigili urbani battono a tappeto il lungomare (e battono cassa) per giocare a fare le multe, salvo poi scomparire la notte quando lo stesso lungomare si trasforma in uno stretto budello d’asfalto con macchine parcheggiate in doppia e tripla fila. Forze dell’ordine impiegate per svolgere la stessa mansione dei funzionari dell’amtab, una multa dove capita, che poi, tra una contravvenzione e l’altra, c’è sempre tempo per fare quattro chiacchiere con i residenti di Piazza San Pietro, dove vige la regola del parcheggio selvaggio impunito. Lì, forse, è meglio non dare fastidio.
Ci sono occhi miopi che vegliano sulla città, e mentre si osserva increduli il conto alla rovescia per la riapertura del Petruzzelli, ci si dimentica del Teatro Margherita, ormai utile solo come fondale per la campagna pubblicitaria di turno; un teatro pubblico del quale nessuno parla più e che resta chiuso dietro quello slogan che suona come una beffa e una presa in giro ipocrita. Bari cambia. Persino Santa Scolastica, papabile sede del nuovo Museo Archeologico, resta desolatamente chiusa, anche se i suoi tesori sono sempre aperti per chi voglia unirsi ai puntuali arrembaggi dei soliti pirati locali, che muniti di corde scalano le mura perimetrali meglio dei saraceni di qualche secolo fa. Lo fanno sotto gli occhi di tutti. Lo fanno sotto occhi miopi.
Bari cambia. In peggio.

Castleville alla New York Public Library

2008-06-30T12:29:00.007+02:00

Il merito (gran parte del merito, perlomeno!), è di Fortitude, che assieme alla pioggia ha saputo portare oltreoceano anche i nostri libri. Il resto è storia... come per la Bibbia di Gutemberg.
"Benvenuti a Castleville" è nel catalogo della New York Public Library.

Grazie Cris.

BARI: no al cannocchiale per il museo archeologico di Santa Scolastica

2008-06-20T16:37:00.005+02:00

Una cosa che proprio non sopporto è il fatto che un semplice cittadino debba sorbirsi inevitabilmente le scelte (più o meno) imposte da questa o quella amministrazione comunale. E se la cosa può anche essere tollerabile per le decisioni politico-burocratico, quelle “di bandiera” per così dire, tutt’altro discorso riguarda ciò che ha a che fare con la “vivibilità” delle nostre città.

Le città appartengono a chi le vive, però sempre più spesso sono progettate da chi non solo vive altrove (qui non si parla di provincialismo, per carità!), ma che altrove immagina la propria idea di architettura e urbanistica.

Così uno scorcio urbano, magari portatore di secoli di storia, diventa la tela pittorica per qualche architetto in vena di scherzare (perché di questo si tratta, vero Mari?), un palcoscenico dove esibire la propria individualità strabordante alla stregua di quanto succede in una gara canora.
Ma qui non siamo al festival di Sanremo, e neppure in una delle tante tappe dell’imminente Festivalbar, qui siamo nel cuore più antico di una città che di certo non ha bisogno di cannocchiali fuoriscala per scrutare il proprio futuro all’orizzonte.
Per tornare all’esempio musicale, se a me non piace (e non mi piace) la canzone vincitrice del festival di Sanremo, non sono mica costretto a sorbirmela per forza, mi basta cambiare stazione radiofonica e il gioco è fatto, in questo caso invece, e finché non inventeranno i telecomandi d’orizzonti, l’architettura è un “canale” preimpostato, un po’ come accadeva in TV con il Rischiatutto o prima dell’avvento di Mediaset, un “canale”, tra l’altro, sempre acceso, ventiquattrore su ventiquattro, trecentossessantacinque giorni all’anno.
Si è fatto un gran parlare (il più delle volte a sproposito) sulla questione dei palazzoni di Punta Perotti (dove ora si estende un “far west” in prato inglese, inutile quanto surreale nella sua desertica bruttezza), e ora ci si dovrebbe piegare in silenzio alla scelta di un tizio che ha pensato di incastrare un parallelepipedo rosso lungo settantacinque metri tra le arcate del monastero di Santa Scolastica? Perché, in fin dei conti, è questo il fulcro del progetto vincitore del concorso internazionale per la nuova sede del Museo Archeologico Provinciale, un parallelepipedo rosso su un foglio bianco. Una macchia.
E se questo non bastasse, nel progetto presentato dal Panstudio dell’architetto bolognese Cesare Mari vi è almeno un altro elemento “scempiografico”, e mi riferisco al “ponte panoramico”, una passeggiata sospesa sui tetti di Santa Scolastica, in pratica una pista d’atterraggio di duecento metri, buona per farci atterrare i piccioni di Bari Vecchia.
Il cannocchiale color corallo, ridicolo sfregio plastico e cromatico a una realtà storico-visiva consolidata in centinaia di anni, e quest’ultima trovata bidimensionale (perché poi dovrei andare a passeggiare fin la sopra quando la “passeggiata barese” e solo pochi metri più in basso sulla muraglia?), sono l’ennesimo esempio di ego(t)ismo architettonico, l’emblema di un’architettura edonistica e narcisistica al servizio del Mari di turno, piuttosto che di coloro che la città dovrebbero viverla.
Non sto perorando un ritorno all’antico, anzi ben vengano le soluzioni architettoniche più visionarie per rinnovare lo skyline della città, ma a Bari la sperimentazione va fatta altrove, e va fatta proprio dove ora cresce quel praticello inutile voluto dal sindaco e dagli amanti dei deserti metropolitani. In una città groviera, piena di spazi vuoti, e singolarmente vuota di spazi pieni, si dovrebbero colmare i tanti buchi ancora aperti (qualcuno ha forse parlato del parcheggio interrato di Piazza Cesare Battisti?) piuttosto che bucare ciò che invece andrebbe preservato.
Io Santa Scolastica la conosco bene (fuori, dentro, sopra e anche sotto, dove le muffe avranno ormai sepolto quanto era venuto alla luce negli scavi di qualche decennio fa) per averci studiato ai tempi di una neonata e già levantina facoltà di architettura, e so quanta difficoltà possa aver trovato il buon Angelo Ambrosi (grazie per il ventisei, prof!) nell’intervenire al suo interno durante il primo restauro.
Strutture oggi un po’ superate, leggermente austere nella loro semplicità quasi neoplastica, a volte cadenti per i segni degli anni, ma integrate, sebbene in modo talvolta “labirintico”.
La funzionalità seguiva la forma, e questa non oltraggiava mai la storia, semmai la sottolineava, la incorniciava. Nell’idea di Ambrosi c’era giustapposizione anziché sovrapposizione, un’architettura che dialogava con le preesistenze, senza mai negarle, senza offuscare il passato per alzare il volume su un presente assordante (se non si è capito io odio il festival di Sanremo).
Di sicuro si è peccato di superficialità nel premiare il progetto di Mari (quando c’era quello di Gae Aulenti che invece avrebbe soddisfatto quasi tutti), e nonostante il parere negativo dello stesso presidente della giuria, il buon Amerigo Restucci (grazie anche a lei per il 30 e lode, prof!), ma oggi si ha la possibilità di scongiurare quella che sarebbe stata una sciagura per tutta la città, e cercare di guardare oltre. Possibilmente senza cannocchiali.
Nicola Signorile, sulle pagine della “Gazzetta del Mezzogiorno”, ha iniziato per primo la crociata contro i restauri dalla “memoria corta”, e sul “cannocchiale rosso” hanno già espresso il loro parere negativo personalità eccellenti come l’ottimo Dino Borri (e grazie pure a lei per il 28!), l’archeologo Giuliano Volpe e la stessa Gae Aulenti, ma c’è voluto l’intervento del ministero dei Beni culturali per porre la parola fine (ma sarà vero?) sul tentativo di spazzare la storia a colpi di parallelepipedi e passerelle sospese.
Ora siamo forse a un punto morto, che poi è un punto perfetto per ricominciare daccapo, i nostri politici sembrano esitare, l’architetto Mari si dice disposto a rivedere il suo progetto, probabilmente ignorando che la bocciatura non riguarda particolari secondari ma “i pezzi forte” del suo lavoro, e intanto noi comuni mortali ci apprestiamo a passare un’altra estate senza Museo Archeologico. Ma per fortuna senza strane forme aliene sospese sulla testa.

Battle Royale: scuola di sopravvivenza

2008-06-16T16:58:00.002+02:00

Titolo: Battle Royale
Paese, anno: Giappone, 2000
Regia: Kinji Fukasaku
Sceneggiatura: Kenta Fukasaku
Interpreti: Takeshi Kitano, Tatsuya Fujiwara, Aki Maeda, Taro Yamamoto

Pulp e “violenza minimalista” in un opera dal taglio dissacrante e apertamente polemico contro la deriva culturale giapponese. Il film prende di mira il sistema nipponico della competizione esasperata, quello che spinge all’individualismo e al nichilismo autodistruttivo e che ha come effetti i vari “suicide club” oltre che a tutte le declinazioni della depressione giovanile (e non solo).

La storia: tutto ha inizio con un sorteggio. Siamo all’alba del nuovo millennio, il Giappone ribolle a causa di un’impressionante crescita demografica e, soprattutto, a causa della conseguente impennata della violenza giovanile. Il risultato è un’incolmabile spaccatura generazionale che ha creato due fazioni in lotta: gli adulti, che governano, i giovani, che si ribellano.
Il rimedio scelto dal governo per arginare la crisi è semplice e drammatico: una legge, la “Battle Royale”, e un sorteggio. L’estrazione, ben lontana dalla milionarie lotterie nazionali, serve a scegliere una classe di studenti che verranno deportati, in pieno stile “reality show”, su un’isola deserta (quella dei “Famosi” non c’entra!) perché si ammazzino a vicenda. Scopo del “gioco” e selezionare l’unico degno di continuare a vivere, un po’ highlander, un po’ grande fratello.

Commenti: il film è violento, crudo, apocalittico, ma condito con la tipica ironia dissacrante in chiave nipponica (quella dei cartoni animati per intenderci) che vi farà ridere per un pugnale piantato nella fronte di una studentella impertinente. Takeshi “Beat” Kitano indossa la sua solita maschera teatrale, ed è magnetico e diabolico più che in “Brother”.
Qui la violenza è esibita, nulla è lasciato all’immaginazione, siamo portati sulla scena del crimine, mentre il crimine viene consumato, e non c’è nessuno che dica: “andate via, qui non c’è nulla da vedere”.
Kinji Fukasaku, scomparso nel 2003 (e purtroppo prima di girare il seguito del film “Battle Royale 2” che invece è stato diretto dal figlio), è lo stesso di “Tora! Tora! Tora!”, film bellico diretto a quattro mani con Richard Fleischer.

Da noi, i tipi della Shinvision, dopo aver tentato di distribuire il film al cinema (in effetti ci sono riusciti con una manciata di sale e qualche festival) avevano iniziato a lavorare a una succosa versione “director’s cut” del film (con tanto di doppiaggio in italiano). Del progetto, e della stessa Shinvision, ultimamente se ne sono perse le tracce. Speriamo bene…

Amici di penna: Maria Viteritti (Al di là del muro, Lupo editore, 2008)

2008-05-30T10:09:00.005+02:00

Inauguro questo nuovo spazio “vetrina”, per presentarvi il nuovo romanzo di Maria Viteritti, appena uscito per i tipi di Lupo Editore).
Scrittura asciutta, veloce, per un romanzo scritto in prima persona che affronta con levità un tema gravoso come quello dell’eutanasia (uno “strano tipo” di eutanasia a dirla tutta), che qui sembra assecondare i ritmi della routine assolutamente normale del protagonista: esecutore stacanovista dall’aplomb quasi impiegatizio. Tutto normale, all’apparenza, tutto scontato, finché tra i clienti della rinomata ditta della “buonamorte” si presenta una donna.

My Sassy Girl: una Lamù tutta terrena

2008-05-25T15:34:00.005+02:00

Titolo: My Sassy Girl
Paese, anno: Corea del Sud, 2001
Regia: Kwak Jae-young
Interpreti: Tae-hyun Cha, Ji-hyun Jun, Jin-hie Han, Sook-hee Hyun, Il-woo Kim
Genere: Commedia

Prendete il fascino un po’ acido di Lamù (sì, proprio l’aliena seminuda con i capelli blu), aggiungete una buona dose di commedia romantica di matrice americana, e spruzzate abbondante ironia asiatica: il risultato è “My sassy girl”, un film agrodolce riuscitissimo che riconcilia con un genere che sembrava non avere più molto da dire. La pellicola in questione è tra i maggiori successi del cinema coreano (che a quanto pare non sforna solo thriller maledetti, mattonazzi e horror altrettanto “granitici”), ed è stata il trampolino di lancio per due giovani attori che oggi sono contesi dai più quotati registi asiatici (la splendida protagonista, per esempio, è apparsa nel più recente “The Uninvited”, oltre che nel sofisticato “Il mare”).
L’inizio della vicenda è in puro “Oriental Style”, con il gusto, tutto asiatico, di accostare ironia e romanticismo a uno smaccato senso del grottesco quasi trash. Lui, uno studente piuttosto pacato, incontra per caso lei, una bizzarra ragazza ubriaca, mentre è intenta a vomitare sul parrucchino di un malcapitato vicino di sedia nella metropolitana.
Gyeon-woo, così si chiama lo studente che ha davvero molti tratti in comune con l’Ataru Moroboshi della già citata serie di cartoni, finisce suo malgrado per “incastrarsi” nel destino strampalato di una Lamù tutta terrena, ritrovandosi coinvolto in situazioni esilaranti e spesso estreme solo per la necessità di rispondere alle “sfide” lanciate dalla algida e bellissima protagonista. Così lo vedremo tuffarsi in un lago per informare la ragazza dell’esatta profondità dell’acqua, mentre scambia le sue scarpe da tennis con i tacchi a spillo di lei per una strana passeggiata in un parco, o ancora intento a sopravvivere a una nottata in carcere per colpa dell’ennesimo brutto tiro della sua compagna di sventura. Soltanto la mimica facciale dei due protagonisti meriterebbe la visione di “My sassy girl”, una ventata d’aria fresca laddove ormai non si respirava quasi più.
A parte le “scenette” buffe marcatamente “manga”, il film regala momenti di pura “sospensione” malinconica e introspettiva, proponendo una visione sognante dei rapporti che legano l’esistenza di un individuo alle imperscrutabile logiche del fato, e imbastendo una storia che, pur nella leggerezza formale del suo impianto, coinvolge, emoziona e, tra una risata e l’altra, fa anche pensare.
Il colpo di scena finale, sebbene un po’ prevedibile per gli spettatori più smaliziati, chiude il cerchio su una commedia godibilissima e nient’affatto banale. Un film da vedere, per i romantici incalliti, per gli amanti dei manga, e per tutti quelli che sono stufi del binomio sentimento-monotonia a cui un certo cinema ci ha abituato.

L’indistruttibile tarlo dell’editoria a pagamento

2008-05-12T11:32:00.001+02:00

Non sto teorizzando l’etica del “mal comune mezzo gaudio”, se è a questo che state pensando: io non so che farmene del “mal comune”, perché a stare male sono bravissimo da solo, e anche il “mezzo gaudio” mi lascia indifferente, perché, se proprio dovessi scegliere, preferirei un gaudio tutto intero (sono tremendamente geloso dei miei momenti di gioia). Quello che voglio dire è che finché il disagio degli “aspiranti” sarà argomento per pochi, roba da circolo privato, finché le mille voci discordanti rimarranno un brusio stonato piuttosto che un coro dissonante eppure armonico, finché l’insoddisfazione dell’uno non incontrerà quella dei molti, non ci sarà posto per una rinascita culturale che parta finalmente dal basso, e gli scaffali delle librerie resteranno appannaggio esclusivo di un cabarettista, un calciatore e un prete spretato.
Serve una levata di scudi, una presa di coscienza (e di posizione) contro il “malgoverno delle arti” che imperversa ovunque, non il sommesso e inconcludente piangersi addosso a cui ci siamo dedicati finora (chi più, chi meno, ma con gli stessi esiti imbarazzanti) ma una battaglia da condividere sul campo di una letteratura ancora tutta da scrivere. Si deve fare gruppo, mantenere un’integrità morale anche dinanzi alle lusinghe dei “coltivatori di perle”, che verranno a offrirci esche all’apparenza invoglianti e appetitose. Sono ami. Tagliole.
La pubblicazione a tutti i costi è un fantasma che è bene scacciare, perché, come sanno bene i sub che rischiano la vita per inseguire una preda troppo in profondità, ci porta in acque pericolose e ci espone a rischi inutili e che sarebbe meglio evitare. La pubblicazione con richiesta di contributo, tanto per fare un esempio.
Come abbiamo visto, la pratica di richiedere un obolo agli autori emergenti è diventata assai comune presso gli editori nostrani (non che all’estero le cose vadano troppo meglio a dire il vero), anzi, in parecchi casi è l’unica fonte di sostentamento per società altrimenti destinate a un fallimento sicuro. In pratica, delle sessantamila case editrici da cui siamo partiti poche, pochissime, potrebbero restare in attività senza il sostegno degli stessi scrittori che, anno dopo anno, rimpolpano i loro cataloghi (e i loro conti in banca).
Quella dell’editoria a pagamento è una realtà “scivolosa”, perché tende a confondersi (e a confondere), ma soprattutto perché non è immediatamente decifrabile. C’è chi pensa che a chiedere soldi in cambio della possibilità di pubblicare siano solo gli editori minori, come se la voglia di arricchirsi, la “fame”, sia appannaggio solo dei pesci piccoli, in verità la prassi di spennare gli incauti autori alle prime armi è assolutamente trasversale, e accomuna tutti, i grandi e i piccoli, i “corrotti” e gli insospettabili. In ogni caso si tratta di una prassi sbagliata, probabilmente una delle concause dell’attuale degenerazione del quadro editoriale complessivo, un tarlo feroce e all’apparenza indistruttibile. E pensare che basterebbe iniziare a rispondere “no”.

“No” quando ti dicono che sei bravo ma che devi pagare qualcosa per diventare bravissimo.

“No” quando ti dicono che non sei famoso ma che se paghi sarai sulle prime pagine dei giornali.

“No” quando ti dicono che il tuo libro è talmente bello che richiede un investimento in più per promuoverlo al meglio.

“No” quando danno un prezzo alle tue ambizioni, fossero pure infondate.

“No” punto e basta.

La via della penna e della spada

2008-04-30T13:24:00.001+02:00

Quella che definisco la “democratizzazione dei mezzi” se da un lato ha offerto a chiunque l’opportunità di esprimersi, dall’altro ha sovraffollato un campo d’azione nel quale prima ci si chiamava per nome. Nella moderna babele in cui ci muoviamo abbiamo rinunciato all’identità e alla riconoscibilità in nome dell’omologazione, ci siamo lasciati plagiare dal “comune senso del pudore”, ma anche da tutto ciò che di “comune” riusciamo a captare nell’aria. Il clichè, il deja-vu quando va bene, è il solo ingrediente che può garantire se non il successo quantomeno la visibilità, e questo indipendentemente dal settore in cui operiamo. Libri tutti uguali, film tutti uguali, programmi tutti uguali, tutto tutto uguale. Sarà un problema di mancanza di idee, di mancanza di coraggio, o di una simultanea carenza di entrambe le cose, sta di fatto che il panorama culturale con cui dobbiamo confrontarci è desolante quanto una finestra spalancata sul Kalahari. E nonostante tutto questo sembra ancora il migliore dei mondi possibili.
Percorsi alternativi sono ancora praticabili, ammesso che non vi spaventi la possibilità di una passeggiata in solitaria, ma come nei trekking anche per l’editoria (e per l’arte in generale) vale una sola regola fondamentale: chi abbandona il sentiero battuto rischia di perdersi nei boschi.
L’imitazione allora, la citazione per i più colti, il remake per gli esterofili, può aiutare chi scrive a incontrare le simpatie (e i piani economici) di un editore lungimirante, ma per gli altri, per i duri e puri della “penna e della spada” per dirla alla Mishima, la strada sarà impervia e inevitabilmente in salita. Per loro, per noi, per voi, ho solo pillole amare da dispensare, pillole che non curano (siamo malati incurabili, non ricordate?) ma che possono lasciare in bocca un sapore di verità, e un retrogusto agrodolce che sa un po’ di speranza.
Non ci sono ricette miracolose, non ci sono parole magiche da recitare per arrivare dove non siamo ancora riusciti ad arrivare, dove forse non arriveremo mai, ma talvolta fare chiarezza può servire a ridimensionare il rancore e la rabbia (non la gastrite purtroppo), oltre che le pretese dei millantatori e dei finti eroi, e sebbene per ogni libro stampato ce ne saranno sempre troppi che resteranno rinchiusi nei cassetti, o nel cestino della spazzatura degli editori, la consapevolezza di un malessere condiviso può aiutarci a non smettere di fare ciò che ci piace. Scrivere.

LIVE ACTION MOVIE: CARTONI ANIMATI IN CARNE E OSSA

2008-04-21T16:36:00.017+02:00

Utilizzo questo post per raccogliere tutte le informazioni (tutte quelle che riesco a trovare quantomeno!) su un fenomeno cinematografico attualissimo, e cioè la “febbre da cartone animato” che pare abbia contagiato i filmmaker di mezzo mondo. Forse per esplorare nuovi orizzonti, o più probabilmente per sopperire al decadimento contenutistico delle sceneggiature degli ultimi tempi, sono sempre più le produzioni che adattano per il grande schermo storie tratte dai cartoni animati e dai fumetti (dagli anime e dai manga, nel caso dei corrispettivi made in Japan), e lo fanno sostituendo i disegni e i colori con attori in carne e ossa, oltre che con un’abbondante spruzzata di pixel per rendere omaggio allo strapotere della CGI.
Per ragioni di spazio sorvolerò sulle pellicole già sufficientemente pubblicizzate (quindi niente Batman, zero Iron Man, e categoricamente nada Spiderman), e focalizzerò l’attenzione sui rumors riguardanti i live action di matrice orientale, se non altro per derivazione dei contenuti.
Iniziamo con un progetto rimasto al palo per troppo tempo che riguarda Lupin III. Sebbene già negli anni ’70 ci sia stato un tentativo naif (a essere buoni) di trasportare su pellicola, e con attori veri, le vicende del fumetto di Monkey Punch (Lupin III - strange psycho-kinetic strategy, aka: Rupan sansei - Nenriki chin sakusen) è da qualche anno che si mormora di un nuovo adattamento per il cinema delle vicende del ladro gentiluomo, della conturbante Fujiko (aka Margot), di Jigen, e di Goemon, che nella prima pellicola invece era latitante. Per ora (ma la notizia è in giro dal 2006) si sa solo che il produttore Gerald R. Molen (Jurassic Park, Shindler's List) sta(va) lavorando al progetto con la WhiteLight’s… staremo a vedere. Nel frattempo, perché forse da quelle parti ci si stanca prima di aspettare, la filippina GMA Network ha messo in onda il teledrama ispirato al personaggio di Monkey Punch. Pare sia stato il più grande evento televisivo in Filippina, (nonché la prima conversione di un cartone in una soap opera), ma io di Lupin ho visto davvero poco! Qui il trailer.
Attualissimo, invece, e in fase di lavorazione già avanzata, è il film tratto da Dragon Ball, il cartone creato da Akira Toriyama che ha praticamente monopolizzato i palinsesti della TV “per ragazzi” (ma non solo). Anche in questo caso, come per Lupin III, c’è stato un primo live action a dir poco grossolano (Dragon Ball - il film, Taiwan) che risale al 1989, anni luce rispetto a quanto si sta facendo per il nuovo adattamento. Produttore del film, per la 20th Century Fox, è il genio comico di Stephen Chow (Shaolin soccer, Kung fu hustle, CJ7) che ha affidato la parte di Goku al giovane attore canadese Justin Chatwin (La guerra dei mondi). Il nome di maggior peso nel cast, però, riguarda il personaggio del maestro Muten (il Genio delle tartarughe), che sarà interpretato dal mitico Chow Yun-fat (Crouching tiger, hidding dragon). James Masters, poi, che molti ricorderanno nella parte di Spike in Buffy - l’ammazzavampiri sarà Lord Piccolo, e alla regia troveremo James Wong, che ha già lavorato per alcuni episodi di X-Files e Millennium. L’uscita del film è prevista per l’aprile del 2009 (info su: http://dbthemovie.com/).
A ruota dovrebbe seguire il film sui Gatchaman (La battaglia dei pianeti), che sarà diretto nel 2009 da Kevin Munroe (TMNT - tenace mutant ninja turtles) per la Warner Bros, “responsabile” pure dell’attesissimo Akira, che vanta la presenza di Leonardo Di Caprio come produttore; quest’ultima pellicola, per la regia di Ruairi Robinson, porterà finalmente sul grande schermo il capolavoro di Katsuhiro Otomo, e si augura possa spianare la strada a progetti “analoghi”, come Ghost in the shell, film basato sul celebre manga di Masamune Shirow i cui diritti cinematografici sono stati comprati dalla giapponese Production I.G.
Prima della fine del 2008 dovremmo vedere il live action fanta-horror di Blood - the last vampire per la regia di Chris Nahon, mentre bisognerà aspettare la primavera del 2009 per uno degli adattamenti più assurdi (e attesi), e cioè Yattaman (Time Bokan), che vede alla regia quel pazzo furioso di Takashi Miike.
A testimonianza di quanto i live action siano un fenomeno nient’affatto marginale, si aggiunga che un regista del calibro di James Cameron (Titanic) sta lavorando al film di Battle Angel AlitaMatrix si rituffano nella computer graphic con l’imminente Speed Racer, adattamento di un anime del 1978 (Mach 5, di Tatsuo Yoshida) con un cast stratosferico (Cristina Ricci, Susan Sarandon, John Goodman e Matthew Fox). Insomma, i pezzi grossi del cinema sembrano aver trovato una fonte inesauribile di ispirazione (e di denaro).
Sempre nel 2009 arriverà il sequel di Transformers e, ancora in zona “robottoni”, i live action di Voltron e di Robotech, quest’ultimo prodotto per la Warner Bros. da Tobey Maguire, che dimessi i panni da eroe dei cartoni (per i pochi che non lo sapessero lui è il bamboccio che interpreta Spiderman) si mette a produrre film sui cartoni. Roba da psicanalisi.
Poi ci sono i film in fase di lavorazione (quasi un eufemismo visto che in genere ben pochi di questi vedono effettivamente la luce); è il caso, per esempio, di Capitan Harlock, sul cui adattamento cinematografico sembrava stesse lavorando il regista francese Olivier Dahan (in alcuni siti web il film è dato addirittura come già uscito). In realtà pare che non se ne sia fatto più nulla, e oggi le speranze dei fan del “pirata spaziale” creato dal maestro Leiji Matsumoto risiedono tutte nella coreana Eight Peaks, che ne ha acquisito i diritti cinematografici. Speriamo non si riveli l’ennesima bufala. Nel frattempo ci si deve accontentare dell’eccellente cortometraggio realizzato dagli amici spagnoli del sito miguelmesas.com, che con il pretesto di un “fan movie” hanno dato prova di saperci davvero fare.
In forse ci sono pure gli adattamenti cinematografici di Hellsing (un manga di Yukito Kishiro), la cui uscita è programmata nel settembre 2009 per i guru della 20th Century Fox. Poi ci sono i fratelli Wachowski, che dopo (per la Imagen Films), quello di Pet Shop of Horrors, e di Astroboy, tratto dal celebre manga del maestro Osamu Tezuka, che nel 2009 dovrebbe effettivamente diventare un film per i tipi della Sony.
Un altro progetto congelato da parecchio ma che smuove gli interessi di tanti fanatici è il live action di Neon Genesis Evangelion, l’evoluzione delle serie “robotiche” degli anni ’80, con un’iniezione di tematiche psico-sociologiche ed esistenziali. Roba decisamente più matura tanto per intenderci, perché ormai i cartoni non sono più cosa da bambini! Su Evangelion, che rielabora la saga creata da Hideaki Anno, sta lavorando nientepopodimenoche la Weta, ormai stranota per quanto fatto con Peter “Signore degli anelli” Jackson (maggiori info qui).
Ovviamente non è tutto oro quel che luccica, e se i titoli citati fin qui sono opere di tutto rispetto, va detto che tanti sono i live action tecnicamente discutibili (a essere buoni). È il caso di Fist of the North Star (aka: Ken il guerriero), che arrivò al cinema già nel 1995 grazie al pessimo adattamento di Tony Randel (che già aveva sondato il terreno “cartonesco” firmando la regia di alcuni episodi dei Power Rangers).
Stesso discorso per City Hunter, diretto da Jing Wong nel 1992 per la Golden Harvest, che perlomeno si segnala per le divertenti coreografie del funambolico Jackye Chan, che nel film indossa i panni del protagonista Ryo Saeba.
E poi un bel pollice verso va a Lady Oscar, un film francese diretto nel 1979 da Jacques Demy e tratto dal manga di Riyoko Ikeda, e alla serie TV tutta nostra Kiss me Licia (1986), con Cristina D’Avena nel ruolo della protagonista.
Va detto che non tutti i live action, soprattutto quelli girati in Giappone, arrivano in Italia, cosa che se in qualche caso ci evita di sorbirci roba “imbarazzante”, in altri ci impedisce di gustare pellicole divertenti e ben fatte (per fortuna esistono i sottotitoli!).
Tra le produzioni destinate (forse) a rimanere circoscritte al mercato asiatico segnalo il film “dal vivo” di Detective Conan, il “giocattoloso” Devilman del 2004, il promettente Death Note e il suo prequel L diretto da Hideo Nakata (Ring), GTO (Great Teacher Onizuka) del 1999, Initial D del 2005, e poi Nin x Nin: Ninja Hattori-kun (in Italia: Nino, il mio amico ninja) diretto da Masayuki Suzuki e tratto dal manga di Fujiko Fujio, pseudonimo dietro il quale si celano i creatori di Doraemon.
Da ricordare sono pure Video Girl Ai, diretto nel 1991 da Ryu Kaneda e tratto dal fanta-romance di Masakazu Katsura, Maison Ikkoku (da noi Cara dolce Kioko) tratto nel 1986 dal soho manga di Rumiko Takahashi, il divertente Cutie Honey (2004), adattamento del celebre manga firmato da Go Nagai, Attack No. 1 (aka: Mimì e la nazionale di pallavolo) del 2005, Una tomba per le lucciole (2005) ispirato all’omonimo OAV di Isao Takahata, il robo-movie Tetsujin 28 di Mitsuteru Yokohama (2005), e ben due adattamenti di Cat’s eyeOcchi di gatto), uno del 1988, l’altro del 1997 per la regia di Kaizo Hayashi.
Continuando a parlare di prodotti a uso e consumo dei nostri amici dagli occhi a mandorla, sono da segnalare quei manga che diventano serie TV, come nel caso di Pretty Guardian Sailor Moon del 2002, della mini serie in tre episodi di Black Jack (2000), ispirata all’omonimo lavoro di Go Nagai, e, nel 2003, di Marmelade Boy (da noi: Piccoli problemi di cuore) di Wataru Yoshizumi.
Tra le pellicole destinate al solo mercato asiatico sembrava destinato anche il buon KasshernKyashan: La Rinascita, appagando i fan del ragazzo androide e del “supercanetrasformabile” Flender, che qui però compare solo come “citazione”.
Per spiegare le ragioni di una così massiccia produzione “cartonesca” nel paese del sol levante va detto che in Giappone quella dei live action è una conquista tutt’altro che recente, basti ricordare che la prima versione di Astroboy, adattamento di un manga di Osamu Tezuka, risale addirittura al 1959, mentre il film su Fantaman, da noi noto anche come Diavolik (e ancora ispirato ai lavori di Tezuka), risale al lontano 1966.
Ancora prima, nel 1960, arriva sui piccoli schermi nipponici la serie TV dedicata al robot-caldaia (per noi: (2004, regia di Kazuaki Kiriya), ma poi il film è arrivato anche da noi con il titolo Tetsujin 28, del quale abbiamo già ricordato la più recente versione cinematografica, mentre è del 1967 un “precoce” Giant Robot (aka: Johnny Sokko and His Flying Robot) di Mitsuteru Yokoyama, dove si mostra il coraggio e le sperimentazioni di un cinema ancora libero dagli eccessi della computer graphic.
La conclusione è per un progetto tutto italiano creato dai ragazzi del GTgroup, che riguarda una vera icona per almeno un paio di generazioni. Si tratta del prequel del cartone animato di Goldrake, un film in fase di post produzione già da (troppo) tempo, ma che, se i nostri terranno duro, promette davvero bene. Sul sito del GTgroup trovate tutte le informazioni, le foto, le interviste, e addirittura due trailer.
Per ora, ma solo per ora, è tutto. Prometto di aggiornarvi sulle prossime novità, e nel frattempo buoni cartoni a tutti!

I quindici minuti di Andy Warhol sono finiti

2008-04-15T18:27:00.003+02:00

Un paio di vite fa, c’era chi scriveva per il piacere di scrivere, gente del calibro di Henry Miller, che si struggeva per dieci anni sulle carte ingiallite del suo Tropico del cancro (e tra le braccia della bella Anaïs) senza che all’inizio avesse neanche intenzione di pubblicarlo. Non dico che la via dello scrittore asceta sia quella auspicabile, con i ritmi che tutti conosciamo sarebbe anacronistica e impraticabile, però andrebbe quantomeno recuperato il senso dello scrivere, la ragione ultima che ci spinge a coniugare le nostre idee con le parole del vocabolario. Questa ragione non può risiedere esclusivamente nella rincorsa a questo o a quell’editore, come se lasciare la nostra firma su una copertina fosse uno strano modo di marcare il territorio, e neanche nella reinterpretazione in chiave postmoderna del mito di Narciso. L’autocompiacimento e l’egotismo, che a dire il vero sono componenti connaturati in quasi ogni esemplare di “homo litteratus”, rischiano di annichilire il gesto “eroico” dell’inventore di storie, di mercificare e sminuire il romanticismo che pure risiede nell’inchiostro, quando questo è stemperato con il sangue e i sogni di chi scrive.

“Uno su mille ce la fa” diceva Morandi in una canzone, forse peccando addirittura di ottimismo, ma a distanza di anni sembra che in pochi abbiano compreso il significato di quel ritornello, un significato scomodo per chi, oggi, preferisce le parole di quel comico mio conterraneo che recita pressappoco così: “Se ce l’ho fatta io ce la puoi farcela anche tu”. Grammatica a parte il senso è piuttosto chiaro, e paventa momenti di gloria per tutti, forse anche al di là dei miseri quindici minuti previsti da Andy Warhol. La realtà, quella che dovremmo imparare a cercare lontano dai dischi e dai cabaret, ha solo “posti numerati”, solo pochi posti numerati, e tante volte bisognerà accontentarci di assistere da lontano. Non è vero che tutti possono farcela, non è vero che prima o poi ognuno di noi finirà sotto i riflettori, e non è vero neanche quello che profetizzava l’eclettico artista di Pittsburgh: il tempo che ci spetta per essere famosi oggi tende inevitabilmente allo zero.

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Ichi the killer: quando la violenza diventa arte

2008-04-10T14:39:00.011+02:00

Titolo: Ichi the killer (Koroshiya 1)
Paese, anno: Giappone, 2001
Regia: Miike Takashi
Sceneggiatura: Satou Sakichi (tratto da un manga di Yamamoto Hideo)
Interpreti: Asano Tadanobu (Kakihara), Omori Nao (Ichi), Tsukamoto Shinya (Jijii).

Può la violenza estrema diventare arte?
La risposta è sì, almeno a sentire le parole dell’eclettico Takashi Miike (e dei suoi tanti estimatori sparsi in tutto il mondo). Il geniaccio in questione (la dynamic italia ha da poco lanciato una collana di dvd a lui dedicata, qui la notizia in dettaglio) è tipo dalla telecamera facile, uno che gira un film in un paio di settimane macinando ripresa dopo ripresa a colpi di “one shot”, in altre parole: buona la prima e pedalare (altro che i reiterati ciak a cui sono abituati i filmaker nostrani!). Il risultato, diversamente da quanto ci si potrebbe aspettare, non è un approccio amatoriale al cinema (ovviamente alla base c’è tanta, tantissima tecnica da parte di tutti i professionisti coinvolti), ma un’adesione quasi maniacale ai fatti, un “tocco ravvicinato” per restare “incollati” alla storia, per seguirla in modo naturale, senza l’occhio ipocrita dei vari neo-neoralismi (memorabile l’ipercinetica scena d’apertura, con la camera che gioca con le catena e i pedali di una bicicletta in corsa).
L’eclettismo di Miike, d’altronde, è ben visibile anche nelle tematiche che affronta (tutte con lo stesso piglio curioso, divertito e sempre dissacrante): lui spazia dal musical horror-demenziale (The Happiness of the Katakuris) al film per “ragazzini” (Zebraman, un supereroe in tenuta da zebra!), dal thriller all’horror senza rinnegare se stesso, senza perdere una goccia del suo stile inconfondibile.
Miike Takashi porta oltre l’insegnamento di John Woo (almeno nel suo periodo Hongkonghese) e affianca le sperimentazioni di Takeshi “Beat” Kitano e di Park Chan-wook (per spostarsi sul vivacissimo versante sudcoreano). Il suo cinema è vivo e sgusciante, proprio come il polpo che si mette in bocca Oh Dae-su in Old Boy, e sono sicuro che continuarà ad agitare i suoi tentacoli per molto, molto tempo.

La storia: Kakihara, l’uomo dal sorriso che va da un orecchio all’altro (letteralmente), è un killer spietato e masochisticamente attratto dal dolore che indaga sulla scomparsa del suo boss. Il primo indiziato per il rapimento sembra sia Ichi un assassino psicolabile dalla personalità multipla, a volte una marionetta nelle mani di uno strano fratello, a volte un supereroe in calzamaglia nera.
La storia è quella del duello, inseguito, agognato addirittura, tra Kakihara e Ichi, due facce della stessa medaglia, due pedine (ma forse la pedina è una sola) sulla stessa scacchiera.

Commento: Ichi the killer è un’opera visionaria, a tratti perversa, acida, viscerale, un film pensato come sublimazione del dolore, un melodramma sanguigno che toglie il fiato e lascia perplessi… piacevolmente perplessi. Se avete storto il naso davanti alla scena dei denti e del martello del già citato Old Boy di Park Chan-wook lasciate perdere questo film, altrimenti cercate tutti i lavori di Miike, potreste scoprire che il tanto osannato Tarantino non ha inventato proprio un bel niente.

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Illusione di immortalità del giovane autore incompreso

2008-04-02T15:48:00.002+02:00

Quindi, alla fine dei conti, la ragione per la quale perseverare nell’insana passione dello scrivere non solo è possibile ma è addirittura inevitabile risiede nel fatto che, a costo di sembrare retorico, chiunque prenda in mano una penna per raccontare una storia è convinto di essere un potenziale autore di bestseller. In fondo lo sapete anche voi, lo sappiamo tutti, siamo bravi, siamo i migliori, incompresi forse, ma sicuramente i migliori, anche se gli editori continuano a ignorare i nostri manoscritti e le lettere di rifiuto si susseguono senza soluzione di continuità. Spero che la nota sarcastica nelle mie parole sia sufficientemente evidente, ma se non lo fosse mi permetto di aggiungere che in Italia la percentuale di geni incompresi è inversamente proporzionale al tasso di natalità. Probabilmente preferiamo scrivere libri piuttosto che fare figli.

L’illusione di immortalità, la stessa che anestetizza le paure di un pilota di formula uno, nutre e accresce l’ego del giovane autore incompreso, che anziché rassegnarsi alla possibilità di non essere il nuovo Grisham (tanto per citare uno dei nomi che tirano di più), finisce il più delle volte per trasformare l’incomprensione in rabbia, e la rabbia in rancore, lasciandosi consumare dal nervosismo e da una gastrite fulminante.

Siamo bravi, i migliori, ma siamo ancora più bravi a farci del male, e solo perché non abbandoneremo mai la convinzione che è proprio la nostra voce a mancare nel panorama letterario nazionale. Se venisse meno questa convinzione (quasi sempre sbagliata, se non altro per motivi di probabilità e di casistica) ci sarebbero forse meno aspiranti autori, e più autori “aspirati”, e certamente ci sarebbero meno persone afflitte da gastrite. Il fatto è che l’illusione di immortalità per uno scrittore è il più delle volte un male incurabile, qualcosa di molto peggio di una gastrite, un morbo che ci infetta e ci indebolisce, e che ci rende facile preda delle tagliole, dei trabocchetti, e di tutte quelle cose cattive che ho già descritto.
Se per questo male ci fosse una cura, state pur certi che il numero degli editori in Italia subirebbe un drastico calo, scenderebbe a un quinto, forse addirittura a un decimo rispetto alla cifra attuale, le acque da torbide diverrebbero un po’ più trasparenti, e in giro vedremmo sempre meno squali. E invece siamo tutti malati inguaribili, portatori sani di una piaga che non fa che alimentare, se non i nostri sogni di gloria, quantomeno i portafogli dei tanti editori-proprietari terrieri.

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Takashi Miike Collection: una raccolta di dvd per la Dynamic Italia

2008-03-31T18:47:00.007+02:00

Inizio a parlare di cinema, e di cinema orientale ovviamente, riportando una notizia che era nell’aria da qualche tempo, e che, visto che certe notizie nascono in aria e con l’aria evaporano, nessuno osava riportare per timore di essere smentito. Aria fritta, si sarebbe detto.

Poi l’aria si è fermata un po’, e qualcuno ha iniziato a parlare…
La Takashi Miike Collection si farà, e saranno i lungimiranti tipi della Dynamic Italia a produrla.
Probabilmente la cosa lascerà indifferenti quanti non hanno familiarità con la delirante produzione del regista di Osaka, ma per gli altri, e per quanti avranno modo di scoprire Miike proprio attraverso questa collana di dvd, si tratta di una novità molto ghiotta, che a partire dalla fine di gennaio 2008 promette di soddisfare gli appetiti dei tanti estimatori del regista.
Si inizia con Ichi the Killer (Koroshya Ichi, Giappone 2001) il suo film più conosciuto, e forse anche il più controverso (ma è davvero difficile immaginare un lavoro di Miike che non sia controverso!), e si procederà con una esaltante cavalcata attraverso alcuni dei titoli più suggestivi. In ordine sparso vedremo:
Agitator (Giappone 2001), City of lost soul (Giappone 2000) Dead or alive 1: Hanzaisha (Giappone 1999), Dead or alive 2: Tobosha (Giappone 2000), Dead or alive 3: Final (Giappone 2002), Graveyard of honour (Giappone 2002), Guys from paradise (Giappone 2000), Ley Lines
(Giappone 1999), Rainy dog (Giappone 1997), Shangri-la (Giappone 2002), Shinjuku triad society (Giappone 1995).
Finora in Italia è arrivato ben poco di Miike: il discreto The Call, un horror rarefatto che si muove sul sentiero iniziato da Ring di Hideo Nakata, l’ottimo e disturbante Audition, un episodio di Three Extremes, e la miniserie MPD - Psycho (Multiple Personality Detective), una sorta di CSI nipponico in chiave paranormale e contorno alla X-Files. La collana presentata dalla DYNIT, dunque, promette di colmare un gap incomprensibile nelle produzioni destinate al mercato nostrano dell’home video, soprattutto se si pensa a quanto sia conosciuto e apprezzato Takashi Miike in tutto il mondo. Arriviamo in ritardo, ma perlomeno arriviamo…

La lista dei titoli anticipata dalla Dynamic Italia sembra prediligere la produzione di Miike legata agli yakuza movies (film su mafiosi con gli occhi a mandorla), a scapito forse delle opere più visionarie; penso al pirotecnico horror-musical demenziale The happines of the Katakuris, al fantasy ecologico Yokai daisenso, o all’insolito Zebraman, quasi una parodia dei supereroi americani (ma prima ancora dei loro cugini nipponici Spectreman, Ultraman e Megaloman) che nasconde una forte critica sociale sullo stato della middle class giapponese.

Tuttavia parlare di generi con Miike rischia di essere riduttivo e forse fuorviante, perché il nostro è fin troppo abile a mescolare tematiche apparentemente inconciliabili; così, senza svelare troppo dei film che vedremo, può accadere che il duello tra un gangster e un poliziotto ci ricordi un episodio di Dragonball (Dead or alive 3: Final), o che uno scontro tra galli combattenti rievochi atmosfere alla Matrix (City of lost soul).

L’eclettismo e il genio di Miike sono proprio nell’irriverenza con la quale si accosta al cinema, l’irriverenza di un eterno bambino che gioca con i “giocattoli dei grandi”, che fonde la violenza più estrema con il sesso, lo humour grottesco con l’horror, l’innocenza con la perversione, e senza mai perdere una goccia del suo stile inconfondibile.

Ichi the killer, che la DYNIT distribuirà alla fine di gennaio in due edizioni (disco singolo e disco doppio, a quanto pare ricchissimo di extra), può considerarsi il manifesto della poetica Miikiana, intesa come sublimazione del dolore e poesia del perverso, una poetica che a partire da Quentin Tarantino ha estimatori insospettabili tra i cineasti di mezzo mondo.

Nel film vedremo all’opera l’impassibile Kakihara, l’uomo dal sorriso che va da un orecchio all’altro (letteralmente!), un killer spietato e masochisticamente attratto dal dolore, che indaga sulla scomparsa del suo boss. Il primo indiziato per il rapimento sembra sia Ichi, un assassino psicolabile dalla personalità multipla, a volte una marionetta nelle mani di uno strano fratello, a volte un supereroe in calzamaglia nera.

La storia, in breve, è quella del duello, inseguito, agognato addirittura, tra Kakihara e Ichi, due facce della stessa medaglia, due pedine (ma forse la pedina è una sola) sulla stessa scacchiera. Una pirotecnica esplosione di ultraviolenza, viscerale e acida, condita con un tocco di glamour e una buona dose di humour. In poche parole: alla Miike.

In attesa di godere della visionaria produzione del regista finalmente senza l’ostacolo dei sottotitoli (a tal proposito ci si augura che i doppiaggi siano all’altezza e sufficientemente “accordati”), vale la pena citare un’ultima notizia, di quelle ancora nell’aria, che vuole Takashi Miike alle prese con il live action tratto dal memorabile cartone animato Yattaman (Time Bokan); Nel 2009 la nipponica Nikkatsu Corporation porterà sugli schermi la versione “dal vivo” della serie che abbiamo apprezzato nei primi anni ’80, e il fatto che un “folle” come Miike sia stato chiamato per firmarne la regia fa ben sperare sulla buona riuscita del progetto. Un progetto “folle”, ovviamente.

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Consulenti editoriali: dalla caccia ai talenti alle perle coltivate

2008-03-26T12:09:00.008+01:00

Man mano che si abbandona la superficie degli eletti, dove gli eletti sono quelli che si guadagnano un posto al sole in libreria, e si scende negli abissi profondi dell’editoria “marginale”, ci si ritrova accerchiati dalla multiforme ed eterogenea popolazione degli autori di profondità, quelli che qualcuno ancora definisce emergenti, ma che, visti i presupposti, sarebbe più opportuno definire “sommergenti”. Là sotto, lontano dai riflettori, dalle belle vetrine e dalle recensioni sui giornali che contano, si fa fatica anche solo per non annegare, e se ogni tanto capita che qualcuno, magari sbracciando per sfuggire agli squali che popolano quelle acque, riesca a fatica ad arrivare in superficie, la regola è che chi capita sul fondo sul fondo resta.
Una volta le cose funzionavano in un altro modo, una volta c’era chi, pur restando al sicuro sulla riva, si divertiva a pescare anche in quelle acque profonde, erano i “cacciatori di talenti”, i consulenti editoriali per usare un termine meno poetico ma sicuramente più attuale, quelli che sapevano distinguere una perla anche nel fango. Talvolta a sporcarsi le mani era lo stesso editore, ma vi parlo di tempi in cui il termine era sinonimo di divinità, e poteva accadere che un autore (ma allora anche questo termine aveva una valenza differente) arrivasse alla pubblicazione senza arrischiarsi in pericolose apnee.
Oggi è diverso, oggi nell’acqua nuotano tanti pesci, e i cacciatori di una volta hanno deposto le armi e hanno rinunciato alla caccia. Il fango è troppo e troppo denso, e l’operazione di cavarne perle, ammesse che ce ne siano ancora, non ha più senso per chi è costretto a badare ai profitti e ai bilanci. Se le acque dell’editoria si sono fatte così torbide e affollate, tanto vale fabbricarsele da soli le perle: i cacciatori sono diventati coltivatori, e gli editori proprietari terrieri che di anno in anno curano i loro raccolti e seminano frutti sempre meno saporiti.

«Ma come ha fatto quel tizio a vendere tutti quei libri?» Facile: è una perla coltivata.
«E quell’altro? Faceva il calciatore…» Ancora un’altra perla coltivata.
«Possibile che il libro più venduto sia questo qui?» Idem, come sopra.

Ma se le perle coltivate stanno soppiantando quelle naturali, ha ancora senso difendere (e diffondere) la letteratura di confine, quella marginale, di “contorno”? La risposta è sì, ovviamente, perché altrimenti non avrebbe senso quello che sto scrivendo, non avrebbe senso quello che state leggendo (e quello che vorreste leggere e che magari non troverete neppure tra queste righe), e non avrebbe senso nulla di quello che scriviamo. Perché scriviamo, scriviamo in tanti, scriviamo tutti, e tutti, indistintamente, coviamo dentro di noi la segreta speranza (spesso neppure tanto segreta) che qualcuno riconosca in noi una perla di valore… o quantomeno una di quelle pietruzze minuscole che i coltivatori piazzano nelle ostriche per tirarci fuori delle perle. Perle coltivate s’intende.

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La favola di Cenerentola e della strega che avvelena gli scrittori emergenti

2008-03-18T18:51:00.005+01:00

Signori e signore, se volete pubblicare bisogna che tendiate bene le orecchie, perché il mondo là fuori, quello dei libri e delle pagine inchiostrate, è pieno di trappole, di trabocchetti, di tagliole affilate pronte a scattare non appena poserete un piede sul terreno apparentemente sicuro dell’editoria. Quelle tagliole talvolta hanno l’aspetto di un contratto di edizione, magari ci sarà pure il vostro nomeecognome stampigliato sopra, tanto per rendere il tutto più attraente (avete presente un amo con l’esca?), e vi assicuro che non è sempre facile sfilare il piedino da quelle ganasce d’acciaio, non è facile soprattutto per che spesso faranno in modo che la vostra tagliola vi calzi comoda come la scarpetta di Cenerentola. E nessuno di noi resta indifferente davanti al miraggio di un lieto fine fiabesco: l’eco del “e vissero felici e contenti” ci rende vulnerabili a questo tipo di tentazioni. Con noi malati di parole la strega della fiaba non fatica a dispensare le sue mele avvelenate, e la prospettiva di cullare un po’ il nostro ego con un bel libro ci espone a rischi che nessun principe e nessuna fata turchina è in grado di allontanare.

Il fatto è che con oltre 3500 editori sul territorio nazionale (di cui però solo una metà “attivi”), la possibilità di incappare in uno dei trabocchetti di cui sopra è davvero alta, così come è alto il rischio di farsi male camminando a zonzo su un sentiero che andrebbe battuto con attenzione. Se poi considerate che ogni anno vengono pubblicati quasi sessantamila titoli, la gran parte dei quali faticherete (ma è un eufemismo) a trovare in libreria, capirete bene come dinanzi a un’accresciuta “facilità” a pubblicare si registri, proporzionalmente, un’altrettanto accresciuta facilità a smarrire i frutti delle proprie fatiche letterarie nelle acque affollate di tutta questa carta stampata.

In teoria la crescita dell’offerta, il numero di titoli prodotti annualmente, dovrebbe garantire una maggiore possibilità di scelta per i lettori, ma in un Paese dove si legge poco (e si pubblica molto, diciamo pure troppo) il dato rischia di fotografare un quadro assai diverso, e parecchio meno edificante.

Di quei famosi sessantamila titoli pubblicati ogni anno, quanti credete abbiano venduto un numero decente di copie? Quanti sono stati distribuiti? Quanti hanno avuto un pubblico vero (e non parlo del parterre familiare che di solito accompagna anche il migliore degli autori emergenti)? La risposta la sapete tutti, l’avete davanti agli occhi ogni volta che entrate in libreria, la misurate sugli scaffali, nelle classifiche. Sono pochi, pochissimi, i libri che possono dirsi veramente tali (gli altri, nel migliore dei casi, sono bei prodotti tipografici) si contano sulle dita di una mano, forse di un paio di mani, a essere buoni. E, badate bene, non sto facendo (non ancora) un discorso relativo alla qualità delle opere pubblicate, sto parlando di dati, di cifre, di numeri. E di denaro, soprattutto di denaro. Perché, a volte uno se ne dimentica, come se i libri crescessero spontaneamente sugli alberi, il mestiere dell’editore non è poi tanto diverso da quello di chi ogni mattina deve alzare la saracinesca della propria bottega per portare a casa la pagnotta. È vero che in alcuni casi, solo in alcuni però, si riesce a portare a casa anche qualcosa di più di una pagnotta (e che magari ci si può evitare le levatacce cui sono tenuti invece i bravi bottegai), ma è anche vero che se un titolo non vende, o vende meno di quanto si era preventivato, a perderci non sarà mai l’autore (che al massimo potrebbe perdere la faccia, ma neanche tanto) ma che su quell’autore ha creduto, lavorato, investito. Dunque i libri che si vendono sono pochi, perlomeno rispetto all’iperbolico numero di quelli pubblicati, il resto, la stragrande maggioranza, costituisce un “dato anomalo”, il dato Italiano con cui dovrà confrontarsi chi ambisce al ruolo di scrittore.

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Print on demand, autoproduzione e self publishing: l’antica arte del fai da te

2008-03-13T16:29:00.006+01:00

Alcune case editrici propongono contratti differenti in base alla caratura dell’autore, alla sua notorietà e, di conseguenza, alla sua vendibilità. Se ci pensate si tratta di una scelta sensata, perché il libro di Totti “sommergente” (e questo a prescindere dalla venderà certamente di più del mio, o di qualunque altro autore qualità intrinseca del testo), ed è comprensibile che Mr. Editore usi due pesi e due misure nello stipulare i contratti, a seconda che io sia il capitano della Roma o un semplice scribacchino di periferia.
È un discorso squisitamente “commerciale”. Il problema di fondo, però, è che tanti editori ritenuti “non a pagamento” in realtà richiedono contributi ai loro autori meno “vendibili”, e viceversa molti (meno) editori “a pagamento” possono accollarsi le spese di pubblicazione se, per qualche strana congiuntura astrale, il signor Totti decidesse di rivolgersi a loro piuttosto che alla Mondadori.
È per questa confusione che sempre più autori stanno optando per l’autoproduzione, perché se devo essere pubblicato da un micro editore semi sconosciuto, magari nutrendo il dubbio di aver sborsato quattrini per accontentare il mio ego autorale, tanto vale che salti a piè pari il fosso e mi autoproduca i miei libri, me li autodistribuisca, me li autovenda… dopo ovviamente averli autoscritti (cosa nient’affatto scontata). Tra gli auto-autori c’è gente che vale, talvolta si tratta di scrittori che hanno alle spalle pubblicazioni con editori “ufficiali”, talvolta no, ma mi piace pensare che dietro la loro scelta ci sia l’inizio di una “rivoluzione letteraria”, perché non di solo Moccia si vive.
Poi è vero che si può scrivere per arte-passione o per mestiere, ma nel secondo caso parliamo di operazioni dattilografiche, rispettabilissime, a patto che non vengano confuse, come purtroppo avviene, con il prodotto di una mente creativa che ha qualcosa da raccontare. La paccottiglia resti paccottiglia anche se vende un milione di copie.
Dunque, se proprio dovesse buttare male, e un semplice e-book non soddisfa il nostro ego strabordante (di copisterie manco a parlarne!), io opterei decisamente per la via del “self publishing”, a patto di essere assolutamente certi delle potenzialità di ciò che si scrive, e questo per evitare brutte figure con amici e parenti (i nostri futuri, e forse unici, lettori). Serve una buona tipografia, un po’ di soldini e delle buone gambe per andare in giro a consegnare le copie dei nostri capolavori… copie gratuite, s’intende.
Con il print on demand, che consente di stampare di un libro solo le copie ordinate, e con i servizi offerti on-line da siti come Lulu.com, l’autore che opta per il “fai da te” editoriale ha a disposizione gli stessi canali distributivi di una piccola casa editrice (si rasenta lo zero dunque), e può evitare la più costosa via della tipografia (oltre che le scarpinate per consegnare “porta a porta” i propri libri autoprodotti). Libri in vendita on-line, anche su portali settoriali quali Internetbookshop e Amazon, buone percentuali sulle vendite, anche se pare il 100% di zero faccia comunque zero. Ma in matematica non sono mai stato una cima.
La favola del passaparola che eleva al rango di bestseller il manoscritto ciclostilato di autore ignoto è, per l’appunto, una favola, dunque dimentichiamoci dei lieto fine e prepariamoci a un più probabile zigzagare nella mediocrità della scrittura artigianale. Con tutto ciò di buono che l’artigianato può comportare.
Se, invece, è il successo a cui si ambisce, quello “industriale” per intenderci, e se tutte le porte sembrano destinate e restarsene inesorabilmente chiuse, allora non vedo molte alternative alla via dello “spettacolo” e, nello specifico, a una carriera da velina per le future scrittrici e da calciatore per i futuri scrittori: con presupposti del genere qualunque cosa si scriva è destinata a scalare le classifiche editoriali e a guadagnare le prime pagine dei giornali… che, in questo caso, dovrebbero essere state già preventivamente esplorate a botte di gossip e blablabla

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Editori a pagamento: autori emergenti da sommergere

2008-03-06T12:09:00.005+01:00

Se la mia posizione non fosse ancora chiara la ripeterò in modo più esplicito, tanto per essere sicuro che il messaggio sia recepito: mai pagare per essere pubblicati. Qualunque forma di “contributo” richiesto da parte di un editore per procedere alla stampa di un libercolo è un controsenso, perché in nessuna altra realtà un dipendente paga il suo datore di lavoro.

Il paradosso editoriale è proprio questo: un’ingiustificata inversione di ruoli in quello che dovrebbe essere un normale rapporto professionale. Impariamo a dare il giusto valore a ciò che scriviamo, chiediamo maggiore severità, maggiore selezione, probabilmente si pubblicherà di meno, probabilmente molti degli editori fantasma spariranno assieme agli spettri che sono stati capaci di evocare finora, ma di sicuro ci saranno libri migliori, e se tra questi non ci sarà quello che abbiamo scritto noi, pazienza, prima o poi dovremo pure farcene una ragione.
La gloria ha snobbato indiscussi geni della scrittura, dunque perché prendersela se snobba anche noi?

Il contributo economico per la pubblicazione è (quasi) sempre un modo subdolo per lucrare sulle aspirazioni (spesso ingenue, spesso infondate) degli autori esordienti. Fatte le dovute eccezioni, chi chiede soldi ai maniaci della penna è spesso mosso da motivazioni squisitamente economiche, e (quasi) mai incarna il mito del mecenate appassionato del bello.

La discriminante, ciò che distingue la truffa da una rara ma potenzialmente virtuosa cooperazione editoriale, è, ancora una volta, il filtro e la selezione: nessuno può (dovrebbe) pubblicare indistintamente e “senza filtro”, altrimenti non ci sarebbero più differenze tra editori e tipografi. E invece si vedono sempre più editori disposti a pubblicare tutti, magari offrendo pure invoglianti percentuali sui diritti d’autore, che, è bene precisarlo, il più delle volte assomigliano tanto ai miraggi nei deserti, fumo negli occhi destinato a svanire quando il termine del pagamento sarà abbastanza vicino da intravederne i contorni. Soldi come aria.

Generalmente quella degli editori a pagamento è vista come l’ultima possibilità per un autore deluso, quando non del tutto frustrato, di vedere su carta il frutto delle proprie fatiche letterarie. Il canto del cigno di uno scrittore poco obbiettivo con se stesso e con le sue capacità, o il compromesso infausto del genio incompreso e di quello nascosto, che nonostante quel che si dica ci sono, ci sono stati, ci saranno.

In effetti, se l’obiettività fosse più del miraggio impalpabile di cui accennavo, i reiterati rifiuti da parte degli editori “canonici” (meglio se puntuali e giustificati) dovrebbero bastare a scoraggiare tanti aspiranti autori dallo sperperare i propri danari in operazioni di mero autocompiacimento edonistico (conoscete tutti la fine del povero Narciso!)

E poi, se proprio dovessi spendere dei soldi, io preferirei dare in pasto i miei scritti a una delle agenzie letterarie di più provata esperienza. In quel caso, se non altro, sarei sicuro di ricevere un parere schietto e professionale (in fondo li pago proprio per questo!), e una mano per arrivare alla tanto sospirata pubblicazione (sempre che ciò che ho scritto abbia delle imprescindibili caratteristiche “oggettive”)

Personalmente ho declinato l’invito di svariate case editrici che chiedevano una “pubblicazione partecipativa”, con cifre proporzionali al “nome” e alla visibilità delle parti interessate: si andava da un minimo di quattrocento a un massimo di tremila euro (ma sappiate che se avete a disposizione una cifra a quattro zeri allora non ci saranno praticamente limiti per i vostri successi editoriali); più grosso è l’editore più grosso il malloppo da sborsare. A patto di cedere al ricatto, ovviamente.

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Presentazione a Bari

2007-12-23T15:58:00.001+01:00

A Bari, Giovedì 3 gennaio alle ore 20,30, presso il bookbar "Romanzo di thè", in via Principe Amedeo 122, si presenteranno i libri "Benvenuti a Castleville" di Maurizio Di Credico e "Zucchero e cannella" di Cristina Cardone.
Sarà una serata all'insegna del connubio amore-morte (il titolo T'amo da morire non vi dice niente?), durante la quale ascolteremo stralci degli audiolibri tratti dai due volumi (grazie alla superba interpretazione di Patrizia Mottola), e parleremo di noir, eros, e di tutto ciò che ci sta in mezzo.
Se siete in zona non mancate... ma se mancate fate in modo di non essere in zona!

su Thrillermagazine!

2007-12-19T19:43:00.000+01:00

Un ringraziamento a Chiara Bertazzoni di Thrillermagazine per la bella recensione e la succulenta intervista. Quasi commosso!

Involuzione di un genere?

2007-12-17T18:43:00.002+01:00

Tempo fa, credo sulle pagine del "Falcone Maltese", il buon Sandrone Dazieri, discettando sulla strana materia che prende il nome di noir (ma anche di thriller, hard-boiled, mistery, e chi più ne ha più ne metta), parlava dell’ “altrove”, inteso come terreno per l’ibridazione dei generi, e per la rottura degli schemi che talvolta (sempre più spesso) rischiano di imbavagliare il noir tra le quattro mura (quattro pagine) del già detto. Io penso che oggi sia proprio l’altrove a mancare, la volontà, o quantomeno il tentativo, di superare gli schemi, di sperimentare vie alternative e virare il giallo e il nero verso tinte differenti. Stingere per non sbiadire.
E poi ormai la cronaca batte la fiction sul campo della spettacolarità, dell’originalità e purtroppo anche della crudeltà, e se non ci si vuole rassegnare all’appiattimento del genere bisognerà battere sempre più i sentieri di una letteratura “bastarda”.

I lettori, gli spettatori nel caso del cinema e della televisione, si sono assuefatti all’idea della violenza, della morte, così come a quella del sesso (non a caso eros e thanatos vanno quasi sempre a braccetto sui palinsesti televisivi); l’amore e la morte fanno parte del quotidiano, sono elementi che non sono sfuggiti alla banalizzazione dei nostri tempi, e per questo, per chi scrive, è fondamentale guardare un po’ più lontano del tubo catodico di un televisore al plasma, se non altro per onestà intellettuale nei confronti di chi i libri, bontà sua, andrà a comprarli, e si spera anche a leggerli. Non potendo essere più cattivi, perché la cronaca è cattivissima, si deve (si dovrebbe) essere almeno più creativi. Alla fine è solo una questione di genio e di inventiva, il resto svanirà come neve al sole… anche se visto il freddo di questi giorni temo che il sole si farà un po' attendere. Purtroppo.
Auguri neri a tutti, anzi nerissimi!

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Nero come Castleville

2007-12-16T15:51:00.000+01:00

Provo a rispondere qui a quanti mi chiedono se Benvenuti a Castleville sia un libro noir… e anche a quanti non me lo hanno chiesto (non ancora perlomeno).
Etichette a parte, che in qualche caso possono anche aiutare a vendere una manciata di copie in più, credo che il mio libro non sia un libro noir, non solamente un libro noir.
Il noir, se c’è, è nelle atmosfere, nell’equilibrio tra le parti, nella tensione, oltre che nel sangue, e nelle pallottole. Il resto, tutto il resto, ha invece a che fare con la possibilità di piegare leggermente la realtà, di spostare il baricentro del vero verso il verosimile, del reale verso il surreale.
E comunque se nel noir “classico” l’eroe cede il passo all’antieroe, al detective un po’ dannato tanto per capirci, a Castleville non c’è posto per nulla di tutto questo, a Castleville le cose succedono e basta, e forse non potrebbero andare diversamente. I personaggi, tutti, i buoni e i cattivi, e i buonicattivi (perché qui tutti sono immersi in una dimensione grigia che annulla il bianco e nero), subiscono il loro destino anche se inconsapevolmente, ognuno fa parte di un gioco più grande, un gioco che è stato il mio, e che mi auguro possa essere anche il vostro.
Come nei noir, però, come nei gialli, il testo è pieno di indizi da decifrare per scoprire l’identità dell’assassino, tracce nascoste nel nome dei personaggi, in quello di alcuni luoghi, e nelle indicazioni stradali. Tutto è studiato, tutto si incastra perfettamente, l’assassino è lì, presente fin dalla prima pagina, anche se voi, ovviamente, lo scoprirete solo nell’ultimo rigo dell’ultima pagina.

Castleville su Barisera

2007-12-13T13:43:00.000+01:00

Il giornalista Vittorio Polito firma la bella recensione pubblicata su "Barisera" del 27 novembre. L'elenco delle "apparizioni" di Castleville diventa sempre più lungo... e anche quello degli amici da ringraziare!
Alla prossima!

Recensione sulla Gazzetta del Mezzogiorno

2007-11-20T12:40:00.000+01:00

Questo il testo della splendida recensione di Benvenuti a Castleville pubblicata il 18 novembre su La Gazzetta del Mezzogiorno.
Un ringraziamento sentito alla giornalista Maria Grazia Rongo... senza parole!

Presentazione a Mola di Bari

2007-08-17T14:43:00.000+02:00

Il 23 agosto 2007 alle ore 21 presso la masseria Serra dell’Isola di Mola di Bari, presenterò Benvenuti a Castleville insieme a Cristina Cardone autrice del romanzo Zucchero e Cannella (Liberodiscrivere edizioni) durante una serata all’insegna del noir e dell’eros organizzata dal Culture Club Cafè di Domenico Sparno e Annella Andriani.

Nel corso della presentazione sarà proiettato il cortometraggio Amnesia di Giorgio Volpi basato sul mio racconto omonimo contenuto in Benvenuti a Castleville. L’attrice Annamaria Carella, nella splendida cornice della masseria Serra dell’Isola della giornalista Rita Guastamacchia, interpreterà poi alcuni brani dei due libri, quindi seguirà un cenacolo letterario ispirato al tema eros e thanatos.

Punto di incontro per raggiungere la masseria: Culture Club Cafè - ore 21 - Via Colombo 70, Mola di Bari

Castleville su Leggo

2007-06-20T15:21:00.000+02:00

Riporto la bella recensione di "Benvenuti a Castleville"
pubblicata il 4 giugno sul quotidiano "Leggo".
Ovviamente un grazie particolare va al giornalista
Vincenzo Chiumarulo che ha redatto l'articolo.

Castleville nella Tela!

2007-05-22T12:38:00.000+02:00

Il buon Alessio Valsecchi della Telanera, storico portale sulla letteratura e il cinema "di genere" (ma non solo!), ha pubblicato un bell'articolo su "Benvenuti a Castleville" nella sezione "news" del suo sito.

Ovviamente non posso che ringraziarlo per la cortesia, e invitarvi tutti ad andare a dare un'occhiata a questa pagina...

oltre che a tutta Latelanera!

Castleville alla Fiera del Libro di Torino!

2007-05-14T12:19:00.000+02:00

Il libro “Benvenuti a Castleville” è presente alla Fiera del Libro di Torino insieme agli altri titoli della collana “Ponte di Cerere” che ho il piacere di curare con Lugi Romolo Carrino per l’editore Liberodiscrivere.

Se vi capita di passare da quelle parti, e avete voglia di fare due passi nella città che non esiste, l’indirizzo è: Padiglione 3, Stand P-34. Vi aspetto!

p.s. come potete vedere nella foto, segnalato dalla freccetta più in basso, in fiera c'è anche "Donne delitti serpenti", raccolta noir che ho curato con Paolo Coppo un paio d'anni fa.

Castleville esiste...

2007-05-08T13:24:00.000+02:00

La città che ho sognato in questi anni ha finalmente trovato un "indirizzo".
Forse non la troverete sui mappamondi, ma sono certo che verrete a visitarla tra le pagine del mio libro, o tra quelle dei miei sogni.
Da oggi "Benvenuti a Castleville" si può acquistare direttamente dal sito di Liberodiscrivere... , da internetbookshop o scrivendomi una mail all'indirizzo: info@mauriziodicredico.it la strada è semplice, non potete smarrirvi...
io vi aspetto già!

il viaggio è appena iniziato...

2007-05-05T10:03:00.000+02:00

Benvenuti...
da qualunque parte del mondo siete arrivati, e in qualunque modo lo avete fatto, Castleville è pronta ad accogliervi come farebbe una madre con i suoi cuccioli, o quel posto che chiamate ancora casa anche se ormai vivete a migliaia di chilometri di distanza.
Benvenuti...
Oggi inauguro questo nuovo spazio per "celebrare" degnamente l'uscita del mio ultimo libro, per allargare la cerchia degli amici e quella degli ospiti di una città che non esiste se non all'interno della mia testa.

Benvenuti a Castleville, Liberodiscrivere Editore, Genova 2007.
pagg.: 218
isbn: 978-88-7388-128-5
prezzo: 13 euro
su: www.liberodiscrivere.it
e su: internetbookshop
oppure potete ordinarlo scrivendomi una mail all'indirizzo: info@mauriziodicredico.it